29 abril 2006

Cheiro de Vida - Cheiro de Vida (1984)

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Cheiro de VidaO Cheiro de Vida é composto por três grandes nomes da música instrumental do sul do Brasil: Alexandre Fonseca (bateria), André Gomes (baixo e sitar) e Carlos Martau (guitarra). Juntos formaram em 1978, em Porto Alegre, o lendário Cheiro de Vida, grupo instrumental de Jazz Rock progressivo. Na década de 80 foram para o Rio de Janeiro e rapidamente chamaram a atenção de nomes famosos do cenário musical do Brasil e desenvolveram trabalhos com artistas como Diana Pequeno, Pepeu Gomes, Marina Lima, Djavan, Nico Assumpção, entre outros.

Na Bagagem destes excelentes músicos, há muita esstória para contar: tours no exterior, participações especiais em estúdio e shows com vários artistas renomados, a fábrica de instrumentos de Martau... Como grupo, o Cheiro de Vida gravou dois álbuns históricos. O primeiro, em 1984, contou com participações de Paulo Supekóvia, Pedro Tagliani, Renato Alscher e Augusto Licks. O segundo álbum ao vivo (1988) contou com Dudu Trentin que participou do grupo por um período. Atualmente separados, André, Martau e Alex continuam sendo músicos altamente requisitados em estúdios e em shows por todo o país.

Ricardo Barão - extraído do site Música do Mundo


Gravada entre 1983 e 1984, a estréia do grupo gaúcho Cheiro de Vida tornou-se referência em todo o País para a música instrumental. Relançado em CD neste ano, o álbum registra o virtuosismo e o talento do quarteto distribuído entre o funk, o jazz e o rock progressivo, homenagens a Stanley Clarke, Hyeronymus Bosch e referências a "Nosferatu". Recheado de grandes momentos do guitarrista Carlos Martau e do baixista André Gomes, "Cheiro de Vida" é um grande disco, mesmo ouvido 15 anos depois do seu lançamento.

Gleber Pieniz - extraído do site A Notícia


Cheiro de VidaAfter some garage jams back in 1978, Cheiro de Vida was formed by bassist André Gomes, guitarist Carlos Martau and drummer Alexandre Fonseca.

The band started properly on 1980 on Rio Grande do Sul, south part of Brazil, performing on a variety of theaters and pubs, now with the addition of Paulo Supekovia also on guitar.

Moving to São Paulo in 1981, they recorded an album backing Brazilian singer Diana Pequeno, becoming her touring band, travelling all over the country.

At the end of 1982, the band came back to their hometown, Porto Alegre, and recorded for the second time, now with singer Bebeto Alves, on his live album titled “Notícia Urgente”. On the same year they also became the band for singer Victor Ramil besides keeping Cheiro de Vida’s own activities.

On the following year they began to record their first album “Cheiro de Vida”, which would only see the light of day a year later, on 1984. To finance the album, 850 “bonus” was sold to friends and fans. A couple of weeks before it’d start pressing the album, a small record label ACIT offered to take care of it’s promotion and distribution, in exchange of releasing it in it’s label. It was taken and proved a wrong business decision that took a long time to heal. After not receiving any royalties or proper promotion, the band took 10 years to get it’s masters back.

On the same year, Cheiro de Vida became a five-man band, with the addition of Dudu Trentin on keyboards. Things started happening writing and recording soundtracks for plays like “Cem Modos” a successful Theater Company that traveled around the country.

After that they decided it was time to move to Rio de Janeiro, and take their chances, and they all came to live together on the same apartment with their wives and kids, with the exception of Dudu Trentin which moved to Austria, where he started on his own later recording a solo album.

Cheiro de VidaBy 1987 the were a kind of back-up band for a night club called Jazzmania, the coolest place around for instrumental music, wherever it was a open slot, the band would come play, presenting their material. At this performances André Gomes also had a break for his sitar playing, showing another side of his abilities as a musician.

After Jazzmania the word -of-mouth began to spread and soon started a special following by fans wherever they played. Some of Brazilian’s top musicians started popping around to check them out, such as Pepeu Gomes, Ricardo Silveria, Nico Assumpção, just to name a few and like others became friends with the band.

Cheiro de Vida had them started some few vocal numbers, like “Suave Mágica” and “Meninos” , having on André their vocalist. Warner Records became interested on recording them but with a budget of US$ 2,000 made it impossible to record properly. Instead a 6 song Demo tape was made on the “Nas Nuvens” studios, unreleased to this day.

With the need to make some money for their living, band members started to work with other artists. André and Alexandre were playing and recording for Pepeu Gomes and Martau was working with Marina on her “Virgem” album. Paulo Supekovia went back home to try pastures new and on 1988 Cheiro de Vida was back where they started just the Trio.

1988 started with a lot of concerts, beginning at Rio’s Planetário da Gávea, moving to Ipanema’s Theater before the band went to Porto Alegre for a couple of gigs at OASP, the first day to record the show for local TV station, and recording what was intended to be their second album “1988”.

Unable to release the album and with Martau joining Djavan on a world tour that went from USA to Japan, passing through Europe the band took a long break until 1991. With Dudu back on board they quickly started writing and playing with a new approach, more jazzy, and on 1992 began playing clubs again as well as recording what should be their second studio album, having Ricardo Silveira guesting on one track. Apart from a couple of unrecorded solos, the album was almost completed when the band took the present break.

Martau opened his “Guitar Clinic” becoming a much required luthier and also a very in demand live sound engineer as seen on his work with such artists as Frank Gambale, Mike Stern (which always asks for his service at once), Cássia Eller and nowadays Marina Lima.

André Gomes made some soundtracks after leaving Pepeu Gome’s Band, recorded an album with his father, violin player Zé Gomes, titled “A Idade dos Homens”, and also worked with pop-rap singer Gabriel O Pensador. Today his producing his wife, singer Hannah Lima.

Alexandre Fonseca after leaving Pepeu and playing with pop band Kid Abelha, can be found playing on teh industrial metal band “Infierno” as well as recording some tracks with Marcio Rocha’s Juno album.

Dudu Trentin just released a solo album entitled “Wherever I Go” and has his own website www.guiamarau.com.br/dudu.

The band is not over, their “expanding” and are seriously talking about a reunion to take place sometime in the near future.

To start the ball rolling their unreleased 1988 album was released in September/2000 and a couple more are in the cooking as you read this.

Extracted from Cheiro de Vida

28 abril 2006

Raiz de Pedra - Ao Vivo (1989)

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Raiz de PedraNo início da década de 80, surgiu um dos mais importantes grupos de Porto Alegre, o Raiz de Pedra. Pedro Tagliani - violão e guitarra, Márcio Tubino - flauta e saxofones e César Audi - bateria criaram uma nova linguagem de Jazz progressivo que os tornaria conhecidos e respeitados por toda a Europa.

Gravaram na Alemanha, em 1989, o álbum Pictures e mais tarde em 1996, o álbum Diário de Bordo que contou com a participação de Egberto Gismonti como pianista e co-arranjador. Desde então, o grupo Raiz de Pedra tem atuado em shows e trabalhos individuais pelo exterior.

Extraído do site Música do Mundo


Raiz de PedraRecorded live in 1987, this album presents one of the most interesting South American groups - the instrumental quintet Raiz De Pedra from Brazil. Although often referred to as a jazz group, they play a completely original type of music, with a lot of jazzy influences but very far from conventional jazz. In fact they are much closer to Rio groups, like Univers Zero, than to any mainstream jazz. Fronted by the excellent reeds and flute player Márcio Tubino, they play their “far out” music with ease and elegance. The compositions are very unconventional, with offbeat rhythms and tempos. The guitar and keyboards (when not soloing) often support the saxophone by creating layers of electronic sounds and the rhythm section (strengthened by a guest percussionist) provides a polyrhythmic drive. In short this is one of those uncanny albums that make your ears stand up when you hear it for the first time and tempt you to return to it time after time to really get it all. Warmly recommended.

Extracted from Jazzis

21 abril 2006

Lúcio Yanel e Yamandu Costa - Dois Tempos (2001)

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Lúcio Yanel e Yamandú CostaNascido em Passo Fundo em 1980, Yamandu começou a estudar violão aos 7 anos de idade com o pai, Algacir Costa, líder do grupo “Os Fronteiriços” e aprimorou-se com Lúcio Yanel, virtuoso argentino radicado no Brasil.

Até os 15 anos, sua única escola musical era a música folclórica do Sul do Brasil, Argentina e Uruguai. Depois de ouvir Radamés Gnatalli, ele começou a procurar por outros brasileiros, tais como: Baden Powell, Tom Jobim, Raphael Rabello entre outros. Aos 17 anos apresentou-se pela primeira vez em São Paulo no Circuito Cultural Banco do Brasil, produzido pelo Estúdio Tom Brasil, e a partir daí passou a ser reconhecido como músico revelação do violão brasileiro.

Um dos maiores fenômenos da música brasileira de todos os tempos, o jovem Yamandu confirma e merece todos os elogios que recebe quando toca seu violão. Sozinho no palco, é capaz de levantar em êxtase platéias das mais especializadas e de emocionar o grande público aos mais apurados ouvidos.

Suas interpretações performáticas conseguem remodelar cada música que ele toca e revela uma profunda intimidade com seu instrumento. Todo reconhecimento que recebe é apenas um reflexo do que ele leva ao seu público, recriando a magia da música em seu toque, passando pelo seu corpo e transformando-se quase milagrosamente.

Yamandu toca choro, bossa nova e tudo, mas também é um gaúcho cheio de milongas, tangos, zambas e chamamés. Um violonista e compositor que não se enquadra em nenhuma corrente musical ele é uma mistura de todos os estilos e cria interpretações de rara personalidade no seu violão de 7 cordas.

Yamandu faz jus ao significado de seu belo nome “o precursor das águas”.

Extraído do site www.yamandu.com.br


O violonista Yamandu Costa foi o vencedor do IV Prêmio Visa de MPB em 2001. Demonstrando uma habilidade impressionante, deixou literalmente de queixo caído todos os que tiveram a oportunidade de ouvi-lo na eliminatória e na finalíssima do concurso.

Lúcio YanelEste álbum foi gravado no início de 2001. Yamandu derrama virtuosismo ao lado de seu professor, o igualmente fantástico Lúcio Yanel. Os dois músicos interpretam obras de Yanel, como o tango "Dois Tempos" e a polca "Amazônia", um tema de Yamandu, o choro "Cristal", e composições de nomes como Dilermando Reis (o choro "Dr. Sabe Tudo"), Ernesto Nazareth (o choro "Brejeiro") e Radamés Gnatalli (o samba "Brasiliana"), além de um pout-pourri com as zambas "El Paraná En Una Zamba", de Ariel Ramirez, e "Zamba Del Grillo", de Atahualpa Yupanqui). Uma verdadeira aula musical.

Extraído do site Jornal Movimento


Yamandu Costa was born in Passo Fundo, Rio Grande do Sul, Brazil, where he began his guitar studies with his father Algacir Costa, band leader of “Os Fronteiriços”, when he was 7 years old. Later, he perfected his technique with Lúcio Yanel, Argentine virtuoso who was then settled in Brazil.

Until the age of 15, Yamandú´s only music school was the folk music from the south of Brazil, Argentina and Uruguay. Nevertheless, after he heard Radamés Gnatalli´s work, he decided to get in contact with the music of other renowned Brazilian musicians, such as Baden Powell, Tom Jobim, Raphael Rabello, among others. When he was 17, he played for the first time in São Paulo at “Circuito Cultural Banco do Brasil” (BB Cultural Tour). The event was produced by “Estúdio Tom Brazil” (Tom Brazil studio), and from then on he was recognized as one of the most gifted guitar players of Brazil.

Yamandú CostaOne of the greatest geniuses of Brazilian music of all times, young Yamandu deserves the highest praise. Whenever he is on stage, he fills with joy the most select audience since his impressive performance shows the deep intimacy between Yamandu and his guitar. The recognition he has earned throughout the years reveals what he can offer the audience – recreation of the magic of music - once from his fingers the music he plays travels through his body and soul and is almost miraculously transformed.

Yamandu is a guitar player, composer and arranger that does not fit into a single music style, yet he creates his own when he combines all of them playing his 7-string guitar.

Yamandu fully deserves his beautiful name which in “tupi-guarani”, the native language of Brazilian indians, means “the precursor of the waters of the world”.

Extracted from www.yamandu.com.br

Hermeto Pascoal e Grupo - Brasil Universo (1986)

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+ 5 faixas bônus ao vivo / + 5 live unreleased bonus tracks


Hermeto PascoalHermeto Pascoal nasceu em Lagoa da Canoa, município de Arapiraca, Alagoas, no dia 22 de junho de 1936. Ele foi um prodígio musical: ele começou com a flauta e aos oito anos já tocava sanfona. Com onze anos ele estava tocando nos bailes e forrós em torno da região de Arapiraca.

Quando estava com quatorze, sua família se mudou para Recife e Hermeto começou a ganhar dinheiro em programas de rádio. No final dos anos 50 ele se mudou para São Paulo. Sua voracidade musical era enorme e aos poucos ele aprendia a tocar de tudo que viesse em seu caminho: piano, baixo, palhetas, percussão; enfim, tudo.

Como qualquer músico da sua época, ele integrou grupos de bossa nova no começo dos anos 60, tocando com artistas que hoje têm carreiras respeitáveis, como são as dos artistas Airto Moreira, Heraldo do Monte e Sivuca (com quem tinha um trio de acordeons chamado "O Mundo Pegando Fogo").

Em 1964, ele fundou o "Sambrasa Trio", com Airto Moreira e o baixista Humberto Clayber. Mais tarde, Airto estava num grupo chamado "Trio Novo" com os guitarristas Heraldo do Monte e Theo de Barros. Hermeto se reuniu ao grupo que passou a se chamar "Quarteto Novo".

O Quarteto se dedicava a uma reinvenção progressiva das canções nordestinas. "Nós tocávamos baião, xaxado, mas os arranjos eram muito jazzy, em tempo 4/4 com modernas harmonias".

Infelizmente, o grupo só gravou um disco e foi em 1967: "Quarteto Novo". Esse grupo exerceu uma profunda influência na música instrumental brasileira na década de 60 e os efeitos até hoje podem ser sentidos. Em 1970, Airto convidou Hermeto para gravar um disco nos Estados Unidos.

Antonio Carlos Jobim, Duke Pearson e Flora Purim também tinham interesse em sua permanência por lá. Ele também gravou com Miles Davis e contribuiu com duas canções para seu álbum de 1970, "Live Evil": Igrejinha (Little Church) and "Nem Um Talvez" (Not even a maybe).

Hermeto PascoalEnquanto esteve nos Estados Unidos, o multi-instrumentista pode apresentar suas extraordinárias habilidades como improvisador em concertos, e suas composições originais e idiossincráticas. Teve sua obra gravada por vários artistas, entre eles, Gil Evans e a Sinfônica de Berlin.

As canções que Hermeto compõe são choro, frevo, maxixe, baião, jazz e de outras naturezas, misturando tudo livremente, em combinações pouco usuais: uma só canção pode possuir vários ritmos.

Hermeto retornou ao Brasil em 1973, onde gravou "A Música Livre De Hermeto Pascoal", e depois voltou aos EUA onde gravou em 1976, "Slaves Mass".

Este disco, além dos instrumentos exóticos que sempre o acompanham, ele teve a presença e o companheirismo dos talentos de Airto, Flora Purim, Laudir de Oliveira, Raul de Souza, David Amaro, Ron Carter e Alphonso Johnson.

Seus discos gravados no Brasil, apresentaram novos músicos como Pernambuco (percussão), Jovino Santos Neto (teclados e flautas), Marcio Bahia (bateria), Carlos Malta (flautas, saxofones) e Itiberê Zwarg (baixo). De 1983 até 1989, Hermeto gravou para um pequeno selo brasileiro dedicado à música instrumental, o Som Da Gente.

Extraído do site Clube de Jazz


Composer. Instrumentalist. He played the accordion, flute, bottle, piano, kettle, saxophone and synthesizer among other instruments. Self taught, he learned to play practically on his own.

He began playing the accordion at 10 years old. He learned with his brother José Neto. Them both began to take it in turns to play the accordion at parties. He moved to Recife in 1950.

Hermeto PascoalAt 14 years old he made his debut with his brother José Neto on the Tamandaré radio station in Recife. In 1956 he returned to Radio Jornal do Comércio where he had been before for a short time. He got to be regional director. In 1958 he went to Paraíba where he joined Radio Tabajara in João Pessoa city and he began to perform in Maestro Gomes orchestra. He made himself distinctive as an instrumentalist playing in the orchestra despite not being able to read music. Also in 1958 he went to Radio Mauá in Rio de Janeiro, he was an accordion player in the Regional de Pernambuco do Pandeiro. He also was in the Fafá Lemos and Copinha groups. He began to dedicate himself to studying the piano and he played in the evening.

He moved to São Paulo in 1961. In 1962 as a multi- instrumentalist he joined Som Quatro. In 1964 he formed with double bass player Claiber and with drummer Airto Moreira the Sambrasa Trio besides working as a piano player in the evenings and he began to play the flute. In 1965 he was the flute player in the recording of the record Caminho.

In 1966 he joined the Quarteto Novo and he began accompanying Geraldo Vandré in his shows. In 1967 he had his first composition recorded O ovo in the album Quarteto Novo the group’s first and only record. Also in 1967 the Quarteto Novo accompanied Marília Medalha and Edu Lobo in the interpretation of Ponteio a composition by Edu Lobo and Capinam the winner of the 3rd MPB Festival on TV Record. In 1968 he performed in France. In 1969 the Quarteto Novo broke up and Hermeto started to accompany Edu Lobo on his performances.

He recorded with Miles Davis on the album Miles Davis live on which there were two of Hermeto’s compositions Igrejinha and Nenhum talvez. In 1971 the composition Gaio da roseira authored by Hermeto’s parents was released on a new album by Airto Moreira. He recorded his first record in 1971 in the United States. The distinctive point of the record was the composition Velório an erudite suite about an erudite theme.

Hermeto PascoalIn 1972 he received the best solo player award. In 1973 he recorded his first record in Brazil A música livre de Hermeto Pascoal where he again surprised everybody with his innovations. On the track Serei rei the recording crew needed to go to a farm and Hermeto played in the middle of hogs, hens, geese and turkeys. In 1973 he received the best arranger award. In 1975 he performed at TV Globo’s Abertura Festival where he interpreted the composition Porco na festa which he received the best arrangement award. In 1977 he recorded his third record Missa dos escravos in the United States.

In 1978 he performed at the Jazz Festival in São Paulo and surprised everybody by playing a bacia. His first record recorded in the United States was released in Brazil. He recorded his second Brazilian record in 1979. Although he was seen by many as not being very commercial, Hermeto has received several awards as one of the best contemporary instrumentalists and arrangers. Also in 1979 he performed at the Montreux Jazz Festival in Switzerland and following that he released the double album Hermeto Pascoal ao vivo recorded during his performance at the festival.

In the 1980s he released five successful albums. In 1996 he finished a project to compose a song every single day of the year. The work was released in the form of a songbook and he received the Sharp award for best instrumental arrangement for the arrangements for the album Kids of Brazil by Duofel. Also in 1996 he received the Ary Barroso award. He made trips to the United States and Europe constantly. I

n 2000 he published the score book Calendário do som with a song for every day of the year, was launched in São Paulo with Hermeto and the Popular chamber orchestra playing the first and the last of the 366 themes. Also in 2000 he went on a tour in Europe and Lebanon. In 2001 in Rio de Janeiro he did a show to launch the second edition of his Calendário do som and he did a show with Sivuca as part of the series Sanfona brasileira. Also in 2001 he released the album Eu e Eles with a show on the Arpoador beach in Rio de Janeiro. In 2002 he performed solo in a show in Rio de Janeiro called the multi-instrumental opera.


This brilliant, unconventional and uncompromising music draws on jazz, choro, Northeast rhythms and Hermeto's outrageous penchant for inventing new instruments and combining existing instruments in fascinating new ways. Don't expect the easy sway of bossa nova. This is music that challenges and inspires.

Extracted from All Music Guide

18 abril 2006

Duofel - Kids of Brazil (1996)

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DuofelDesde que se conheceram em São Paulo, em 1977, Luiz Bueno e Fernando Melo vêm pesquisando e experimentando a música brasileira. Tocaram na banda de rock progressivo A Boissucanga (Luiz na guitarra e Fernando no baixo) e, insatisfeitos, começaram a compor juntos para o formato de um duo de violões.

Passaram boa parte de 1978 viajando por Pernambuco, Paraíba e Alagoas, vivenciando ritmos e manifestações folclóricas regionais. Ainda querendo descobrir a sua música na música dos outros, conheceram Dizzy Gillespie, John McLaughlin, Hermeto Pascoal e Tetê Espíndola, com quem fizeram uma parceria de sete anos.

Participaram de turnês na Europa e Estados Unidos. Com o terceiro disco, Duofel, tiveram cinco indicações para o Prêmio Sharp. Com o CD Kids of Brazil, com arranjos de Hermeto, ganharam finalmente o Sharp (Melhor Arranjo Instrumental) e, segundo eles, perderam qualquer medo de criar.

Extraído do site Biscoito Fino

Para mais informações visite o site do Duofel


Duofel"Antes de Kids of Brazil, nós nos considerávamos voltados para a música pop. As harmonias não eram muito trabalhadas, os acordes eram mais naturais. Quando abríamos os concertos do Hermeto como convidados, ficávamos ligados em sua música o show inteiro. Sem percebermos, acabamos bebendo dessa fonte. As músicas dele entraram em nosso subconsciente. Quando fomos compor novas músicas, começaram a surgir composições diferentes, com outras harmonias e melodias. Mostramos para o Hermeto o trabalho novo e ele se entusiasmou: “vou fazer arranjos para vocês. Sei onde vocês querem chegar e vou mostrar o caminho”. Ele mostrou notas que faltavam em acordes e melodias. E nós começamos a descobrir novas afinações no violão para poder tocar os arranjos criados por ele. Kids of Brazil ficou diferente de tudo o que a gente já tinha feito. É um disco difícil em termos comerciais, mas é um de nossos melhores trabalhos."
(Luiz Bueno em entrevista para a Guitar Player nº 57 - 11/2000)

"Formado por Fernando Melo e Luiz Bueno, o Duofel é a mais original dupla de violões dos últimos muitos anos. Ou melhor, é mais radicalmente: esqueçam-se das outras duplas de violões. O Duofel tem concepção musical única e sonoridade inimitável. Hermeto Pascoal acredita que represente a grande novidade da música instrumental brasileira."
(Mauro Dias - O Estado de São Paulo - 25/02/1999)

"Na música instrumental, que não conta com o poderoso veículo da poesia, um árduo e longo caminho é percorrido para ser atingida uma identidade musical, isto é, o status de perfil próprio, o estilo. O Duofel atinge esse invejável patamar na música brasileira. E mais: coloca no mercado um CD destinado a ter forte ressonância na juventude."
(Zuza Homem de Mello - 94)

Duofel"Virtuosismo, interação sensível e um potencial inesgotável: "Sem nenhuma dúvida, o DUOFEL faz a nova música instrumental do Brasil."
(Manfred Gillig - Guitarre Aktuell - Alemanha 1990)

"Foi amor à primeira audição! Sua música contagiante e emocionante, principalmente quando apresentada "ao vivo", nos faz crer que uma nova música vem por aí."
(Rita Kornblum - Universidade de Connecticut 1996)

"Poucas vezes pude ouvir tamanha quantidade de lirismo, sensibilidade, técnica, afinações esquisitas, arranjos intrincadíssimos (cortesia do mestre Hermeto Pascoal), harmonias esplendorosas... Desde a abertura até a última nota da última faixa, ouve-se um álbum absolutamente irrepreensível que, sem exagero, pode ser considerado um dos melhores álbuns instrumentais já gravados neste planeta, em todos os tempos. Absolutamente obrigatório!!!"
(Régis Tadeu - Revista Guitarra Cover - 1996)

"O Duofel não é um duo, é um trio, às vezes um quarteto e outras uma banda inteira, por isso acho que deveriam mudar o nome para Trio Duca."
(Hermeto Pascoal - 1993)

"Tenho andado por todos os cantos do mundo e nunca vi nada igual em matéria de interação, emoção e criatividade."
(Denardo Coleman - USA 1996)

"O Duofel impressiona pela cascata sonora que realiza com apenas dois violões." (David Hepner - Guitar Player 1997)


DuofelSince they met in São Paulo, in 1977, Luiz Bueno and Fernando Melo have been researching and experimenting with Brazilian music. They played in the progressive rock band, A Boissucanga (Luiz on the guitar and Fernando on the bass) and, dissatisfied, they began to compose together for a guitar duet.

They spent a large part of 1978 traveling through Pernanbuco, Paraíba and Alagoas, witnessing the rhythms and folk manifestations of the regions. Still wanting to discover their music in the music of others, they met Dizzy Gillespie, John McLaughlin, Hermeto Pascoal and Tetê Espíndola, with whom they were partners for 7 years. They participated in tours in Europe and The United States. With their third CD, Duofel, they had five nominations for the Sharp Award. For the CD, Kids of Brazil, with arrangements by Hermeto, they finally won the Sharp (Best Instrumental Arrangement) and, according to them, lost all fear of creating.

Extracted from Biscoito Fino

For more information, visit Duofel's site

17 abril 2006

Grupo Medusa - Grupo Medusa (1981) + Ferrovias (1983)

Capas dos dois discos do Grupo Medusa
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O Grupo Medusa foi formado em São Paulo, reunindo alguns dos melhores músicos do cenário instrumental brasileiro. O grupo durou pouco tempo e teve dois discos lançados em sua trajetória.

Segunda formação do MedusaO primeiro, "Grupo Medusa", lançado em 1981, inaugurou a gravadora Som da Gente, especializada em discos de música instrumental brasileira. A formação do grupo, nesse disco, era: Amilson Godoy (piano), Cláudio Bertrami (baixo), Heraldo do Monte (guitarra, violão, bandolim) e Chico Medori (bateria), com participações de Theo da Cuíca e Jorginho Cebion na percussão. Um álbum inovador, composto por músicas autorais, com bastante espaço para improvisos de todos os músicos, altamente melódico e rico na exploração dos ritmos brasileiros.

Após o lançamento, realizaram uma tournée pelo Brasil e chegaram a se apresentar no Festival de Jazz em Paris, em 1982.

No ano de 1983 lançaram seu segundo e último disco, "Ferrovias", também pela Som da Gente. Com algumas mudanças na formação (Olmir "Alemão" Stocker entrou no lugar de Heraldo do Monte e o percussionista Theo da Cuíca foi incorporado à formação), o disco segue a mesma linha do anterior, porém com uma produção mais refinada e a inclusão de uma composição clássica do repertório chorão: "Lamento" do mestre Pixinguinha.

Infelizmente a banda se separou deixando apenas esses dois discos, aqui disponíveis para download. Seus integrantes continuam a atuar no mercado musical, seja em trabalhos próprios ou acompanhando artistas renomados da música brasileira.

Para mais informação, visite o Grupo Medusa no MySpace


The Grupo Medusa was formed in São Paulo, congregating some of the best musicians of the Brazilian jazz scene. The group lasted a little time and had two records released.

Apresentação do grupoThe first one, "Grupo Medusa", released in 1981, inaugurated the record company Som da Gente, specialized in Brazilian instrumental music. The line-up in this record, was: Amilson Godoy (piano), Cláudio Bertrami (bass), Heraldo do Monte (electric and acoustic guitar, mandolin) and Chico Medori (drums), with guest appearence of Theo da Cuíca and Jorginho Cebion on percussion. An innovative and authorial album, with lots of spaces for improvisation of all the musicians, and highly rich in the exploration of the Brazilian rhythms.

After the release, they've toured around Brazil and performed at the Festival of Jazz in Paris, in 1982.

In the year 1983, they've released their second and last record, "Ferrovias", also for Som da Gente. With some changes in the line-up (Olmir "Alemão" Stocker entered in the place of Heraldo do Monte and the percussionist Theo da Cuíca was incorporated), the record follows the same line of the previous one, however with a more refined production and the inclusion of a classic composition of the choro repertoire: "Lamento" of the master Pixinguinha.

Unhappyly the band broke up, leaving only these two records, available for download here. The musicians continue to act in the Brazilian musical scene, either with their own works or accompaning famous artists in the Brazilian popular music.

For more info, visit Grupo Medusa on MySpace

14 abril 2006

Dalmo C. Mota - Tríade (1999)

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"TRÍADE" - Grupo de três elementos tocando instrumentos acústicos; trivalência da composição, arranjo e improvisação; trindade buscando através da liberdade interativa
a unicidade no som.

Dalmo C. MottaFormado no segundo semestre do ano de 1991 pelo violonista, compositor e arranjador Dalmo C. Mota, em parceria com o contrabaixista Augusto Mattoso e o baterista Luiz Sobral, o grupo reúne as experiências diferenciadas dos integrantes explorando as possibilidades expressivas da formação de trio.

Dalmo C. Mota
Professor do Conservatório Brasileiro de Música, onde leciona violão e prática de conjunto desde1988.

Dedicou-se inicialmente à série de concertos improvisações solo, no qual se destacaram suas apresentações pelo circuito universitário: UFRJ, UERJ e UNESA, entre outras. Discípulo do ilustre contrabaixista brasileiro Paulo Russo.

Augusto Mattoso
Formado em música (licenciatura), e bacharel em contrabaixo acústico pela Uni-Rio, tendo atuado com vários nomes da música brasileira, do pop ao jazz, passando pela música erudita.

Luiz Sobral
Iniciou a carreira como percussionista no grupo de choro "Rio antigo", que acompanhou K.Ximbinho, vencendo o "2º Festival Nacional de Choro". A partir daí, atuou como baterista ao lado de vários nomes da MPB, do rock e do instrumental.

O grupo tem em seu currículo atuações em importantes eventos da música instrumental do país, como o "Heineken Concerts" 2000, São Paulo, e o "Groove" 2002, no Museu da República, RJ.

Realizou shows nos principais palcos no circuito musical do Rio e de São Paulo, atuando em alguns shows ao lado de convidados como Nivaldo Ornellas e Paulinho Trumpete. Em 1999, o grupo foi convidado por Carlos Malta para participar de seu CD "Pimenta", e para tocar a seu lado em vários shows pelo país.

Bem acolhido pela crítica, o primeiro CD do grupo foi incluído entre os melhores do ano na programação da Rádio Cultura de São Paulo.

Tem participado de entrevistas à mídia em geral, incluindo programas na Rádio MEC, TVE, TV Cultura e Globo News.

Release do grupo


Tríade — a modern take on the classic jazz trio

Tríade is an accomplished acoustic trio whose mission is to seek new ways in which to promulgate the tradition of piano jazz trios in the line of Bill Evans and Keith Jarrett, as well as that of acclaimed bossa nova piano trios such as Zimbo Trio and Tamba Trio. Tríade, however, uses no piano. Its melodic instrument is the guitar, in 6- and 12-string variations. In its musical style, Tríade follows the Brazilian evolutionary process defined by Hermeto Pascoal and Egberto Gismonti. The ECM sound, evolved by artists who record on the German label (Gismonti and Jarrett among them), is a strong reference for Tríade's sonority and timbre. Improvisation also plays an important role in the group's music.

Established in 1991, Tríade is made up of Dalmo C. Mota (6- and 12-string guitars, berimbaus, and voice), Augusto Mattoso (contrabass), and Luiz Sobral (drums). Dalmo C. Mota studied guitar with Aloysio Neves, classical guitar with Léo Soares, and improvisation with Nélson Faria. His guitar style evokes improvisational piano playing. Dalmo has also researched alternative techniques for playing the berimbau, which is transformed in his hands into an unexpectedly lyrical voice. Augusto Mattoso began as a guitarist but soon became the disciple of illustrious contrabassist Paulo Russo. He has played with the Rio Jazz Orchestra, Brasil Barroco Coro e Orquestra, Dário Galante, Pascoal Meirelles, and Guilherme Dias Gomes. His major bass influence is Eddie Gomez. Luiz Sobral began as a percussionist in 1977 with the choro group Rio Antigo before switching to drums. His eclectic career includes work with such diverse artists as sambista Jorge Aragão, romantic singers Marisa Gata Mansa and Tânia Alves, soul/funk diva Sandra de Sá, and reed player Dirceu Leitte. Sobral's drumming role models are Robertinho Silva and Jack DeJohnette.

Tríade's eponymous first CD (independent) showcases Dalmo's compositorial abilities (all but two of the compositions are of his authorship), as well as the group's inventiveness in improvising. The disc opens with "Janeiro," a samba composed in January, inspired by the energy and activity of Rio de Janeiro during this summer month. Next comes the suite "Reinvenção do Homem" (Reinvention of Man), whose three movements, says the composer, "trace the process of change through which the human race is passing in this moment of crisis and worldwide imbalance." `Urgência de Mudança' (Urgency of Change) is the lively first movement, followed by the introspective `Voz Interior' (Interior Voice) and the totally improvised `Superação do Ego e Unidade com o Todo' (Overcoming the Ego and Uniting with the Whole). In this third movement, the music rises to a chaotic climax, followed by a serene resolution. "Ila" is a slow bossa nova reverie composed by Augusto and inspired by a beautiful woman. "Morro Velho," composed by Milton Nascimento and previously recorded by Elis Regina, receives here a faster pace and alternation of speeds that enhance the tune's descriptive character. "Berimbaus" is a four-movement suite with a closed structure, turning around rhythmic-melodic cells played on tuned berimbaus, with Dalmo using alternative techniques such as double notes, pisadas (pressing the berimbau string while hitting it), and harmonics. It begins with `Introdução,' a light counterpoint between berimbau and bass, followed by `Dança,' an accelerated movement based on the play of rhythmic cells executed by berimbau and drums, with rhythmic vocal interventions and melodies laid over by the bowed contrabass. The third movement, `Cadenza,' explores various berimbau-playing techniques augmented by melodic vocalese that at times harks back to Jobim's "Chovendo na Roseira." The closing movement, `Coral e Melodia,' begins with choral harmony executed by bowed contrabasses and two berimbaus and continues with a sung lyrical melody on top of the bass/berimbau harmony. The bass takes center stage executing the theme in "Pra Tudo Dar Certo" (For Everything to Turn Out Right), a rapid samba in which the individual solos give way to intense mutual exchange among instruments. The penultimate track is "E a Lua no Céu" (And the Moon in the Sky), beginning with a slow impressionistic guitar part whose melody is repeated in counterpoint, then reiterated faster and more rhythmically. The disc closes with "Malambo," inspired by Afro-Latin rhythms and featuring a spirited drum solo.

Extracted from Jazzitude

09 abril 2006

Banda Black Rio - Maria Fumaça (1977)

Capa do disco
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+ 5 faixas bônus ao vivo / + 5 live bonus tracks


Banda Black RioA Banda Black Rio surgiu durante a segunda metade da década de 70. Havia um movimento natural que surgia então: musicalmente ligava o soul ao samba, mas não foi um movimento restrito à música. Tinha uma variedade de nomes: Black Power, Soul Power, e o mais famoso, Black Rio. Os nomes estão em inglês porque a idéia era fundir as línguas, quebrar o individualismo, abrir espaços, e confrontar os puristas.

A cena desses eventos se passava no Rio de Janeiro, mas não na Zona Sul, da classe média alta, distrito branco que gerou a bossa-nova, mas na cidade que os cartões postais escondem, a Zona Norte, os morros, as favelas e as escolas de samba. Lá, o movimento Black Rio se estabeleceu, nos bailes dos fins de semana, que se tornaram muito frequentados, muitas vezes até aconteciam nas quadras das escolas de samba. Quem ia para esses bailes? Muitas pessoas, essencialmente negros que, influenciados pelo Civil Rights Activism da América do Norte, absorviam e transformavam essa nova postura para a nossa realidade brasileira.

A gravadora Warner havia acabado de se estabelecer no Brasil, e queria criar uma banda que fosse a pioneira deste movimento; então eles contactaram Oberdan Magalhães, um renomado saxofonista, que aceitou o desafio formando a Banda Black Rio. Nascido e criado em Madureira (Zona Norte do Rio de Janeiro) era primo de Silas de Oliveira (grande compositor de vários sambas enredo e um dos fundadores da Escola de Samba do Império Serrano) e afilhado de Mano Décio da Viola (outro grande nome do samba) tinha, portanto, a tradição do samba na família além de outros conhecimentos musicais também.

Banda Black RioMuito influenciado por Pixinguinha como por Coleman Hawkins, grande admirador de Cartola e Stevie Wonder, levou adiante seus planos de fusão musical para os night-clubs do Rio, onde começou a tocar aos 15 anos de idade. Estudante de Paulo Moura, grande mestre brasileiro do saxofone, ingressou no grupo Impacto 8, onde começou a delinear o que mais tarde se tornaria o som da Banda Black Rio. No Impacto 8, Oberdan reuniu músicos como Raul de Souza e o baterista Robertinho Silva, tocando uma mistura, ainda na sua fase inicial, de soul, jazz e samba. A partir daí juntou-se ao pianista Dom Salvador e o grupo Abolição, onde conheceu alguns dos músicos que fizeram parte da primeira formação da Banda Black Rio, como o trompetista Barrosinho, o trombonista Lúcio e o baterista Luis Carlos. Entre shows e sessões de gravação, conheceu o guitarrista Cláudio Stevenson, o baixista Jamil Joanes e o pianista Cristóvão Bastos. Foram com esses músicos que ele formou o grupo Rio 40º.

Quando veio, na ocasião, o telefonema da Warner, Oberdan chamou seus colegas que, nesta época, estavam tocando em lugares diversos. Oberdan, então, elaborou um trabalho musical que não somente era dançante como também misturava os grooves do samba e do funk com a musicalidade do jazz, com referência à gafieira. A banda, então, gravou três discos: o instrumental “Maria Fumaça” (1976), “Gafieira Universal” (1978) e “Saci Pererê” (1980) além de ter sido convidada a participar de outros discos como o de Luiz Melodia e Caetano Veloso, este último gravado ao vivo chamado “Bicho Baile Show”.

Banda Black RioA banda continuou fazendo shows no início da década de 80. Teve, porém, uma repentina interrupção devido a morte de Oberdan em um acidente de carro em 1984. Devido a esta interrupção, a banda ficou fora de atividade e só voltou depois de 15 anos através do filho de Oberdan, William Magalhães, pianista, tecladista, arranjador e produtor que trabalhou com vários artistas como, Gilberto Gil, Caetano Veloso, Gal Costa, Ed Motta, Marina Lima, Cláudio Zolli, Cassiano, Sandra de Sá, Milton Nascimento, entre outros. William iniciou seus estudos aos 7 anos e cresceu em um ambiente extremamente musical onde não só frequentava os ensaios de seu pai como também participava das serestas de sua vó Yolanda, os ensaios da escola de samba do Império Serrano onde sua família participava ativamente e os almoços de domingo na Serrinha na casa de sua Tia Maria onde se preserva até hoje a tradição do jongo. Na adolescência estudou jazz e foi aluno da pianista Sonia Vieira e aos 18 anos começou a tocar com Gilberto Gil participando de várias tournees internacionais. Em 1996 foi premiado pela APCA como melhor arranjador, pelo seu trabalho realizado no disco “Registros à Meia–Voz” de Marina Lima. Ainda na da década de 90, William começou a pesquisar o trabalho da Banda Black Rio e estudou os esboços e as poucas partituras deixadas por seu pai. Os arranjos de metais e as batidas que misturavam samba com outros ritmos sempre foram a marca registrada desta banda. Em 1999 a banda estava montada novamente e então gravaram o disco entitulado “Movimento” em 2001 pelo selo Regata e foi premiada como melhor banda pop rock em 2002 pelo prêmio Caras – antigo prêmio Sharp. Este disco foi lançado em Londres pelo selo Mr. Bongo em dezembro de 2002 com algumas faixas remixadas por grandes nomes da música Londrina, como Fase Action, entre outros. O título deste CD na Inglaterra é “Rebirth”, que traduz precisamente este momento de renascimento.

Extraído do site www.bandablackrio.com


Banda Black RioBanda Black Rio was created in 1976. At this time there was a natural movement coming: musically it linked soul to samba, but it was not a movement restricted just to music. It had a variety of names: Black Power, Soul Power, and the most famous one, Black Rio. The names are in English, because the idea was to fuse languages, to break down individualism, to open up gaps, to confront the purists.

The scene of these events was in Rio de Janeiro, but not down in the Zona Sul, the upper middle class, white district which bred the bossa-nova, but in the city that the postcards hide, the Zona Norte, the hills, the favelas and the escolas de samba (samba groups that perform at Rio’s Carnaval). There, the Black Rio movement established itself, through dances at the weekends, which became more frequent and more hugely attended, often taking place in the squares of the escolas de samba. Who went to these dances? A mass of people, essentially black who, influenced by the civil rights activism of America, were trying to understand the information in terms of their own environment.

Visually, instead of the style of the malandro carioca (a very smart guy that is considered to be a great dancer of samba established through the sambistas), there were afro hairdos, platform shoes coloured clothes and ivory necklaces. Musically, funk and soul music livened up the dances and gave rise to groups like Soul Grand Prix, Black Soul, Black Power, Arte Negra among others (some still active today). It wasn’t an exclusive movement: out with samba in with soul, it was a union of both.

Banda Black RioAt this time, WEA had just been established in Brazil, and they wanted to create a band which could be the pioneer of this movement; so they contacted Oberdan Magalhães, a renowned saxophonist, that accepted the challenge and formed Banda Black Rio. Born and brought up in Madureira (an area of the Zona Norte), he was the cousin of Silas de Oliveira, (the great composer of many sambas enredo and one of the founders of the Escola de Samba of the Império Serrano) and the godson of Mano Décio da Viola (another great name of the escola), he had the tradition of samba in his family but other musical background too.

Influenced as much by Pixinguinha as by Coleman Hawkins, and split between Cartola and Stevie Wonder, he had taken his plans of musical fusion into the Rio night-club scene, where he had begun playing at the age of 15. A student of Paulo Moura, the Brazilian sax master, he then joined the group Impacto 8, where he started to outline what would much later become the sound of Banda Black Rio. In Impacto 8 Oberdan brought together musicians like the trombonist Raul de Souza and the drummer Robertinho Silva, playing a mixture, still in its early stages, of soul, jazz and samba. From there, after a short period alone playing in bars, he joined the pianist Dom Salvador’s band, the “Abolição”, where he met the drummer Luis Carlos, the trumpet player Barrosinho and the trombonist Lucio. Between shows and as a session musician for recordings with other artists, Oberdan also met the guitarist Claudio Stevenson, the extraordinary bass player Jamil Joanes and the pianist Cristóvão. It was with these musicians that he created his core group, Rio 40º.

When the call from WEA came, Oberdan called up his musical partners that, at this time, were playing in different places. Oberdan elaborated a musical work that united the grooves of samba and funk with the musicality of jazz, with references to the gafieiras, the traditional dance halls of Rio, where, for decades people had been dancing together to the warm mixture of jazz with samba, played by local big bands (the most famous of which was led by Paulo Moura).

The band recorded three albums: the instrumental “Maria Fumaça” (1976), “Gafieira Universal” (1978) and “Saci Pererê” (1980). They were also invited to take part in other artists’ albums, such as Luiz Melodia and recorded a live album with Caetano Veloso entitled “Bicho Baile Show”.

Oberdan also performed sax solos on albums by Gal Costa, Gilberto Gil, Milton Nascimento, Ney Matogrosso and Maria Bethania. Unfortunately he would never know if the sound he created would have a long life. In the early morning of 9th January 1984, returning from a show in Jardim Botânico, Oberdan lost control of his car and hit a tree in Lagoa Rodrigo de Freitas, dying hours later in hospital, aged 39.

Banda Black RioThese albums and songs continued to be played in Europe, specially in the UK, Germany and also in Japan. After about fifteen years, in 1999, the band’s activities were retaken by his elder son, William Magalhães, a pianist, arranger and producer that has worked with various artists such as Gilberto Gil, Caetano Veloso, Gal Costa, Ed Motta, Marina Lima, Cláuido Zolli, Cassiano, Sandra de Sá, Milton Nascimento, and others. William started studying music at the age of seven and was brought up in an extremelly musical environment where he not only attended to his father’s rehearsals but also took part in the serestas (musical events where musicians are invited to play traditional brazilian music such as chorinho, sambas and bossa-nova) of his grandmother Yolanda, the rehearsals of the escola de samba of the Império Serrano, where his family actively participated and the Sunday lunches in Serrinha at his aunt´s house, Tia Maria, where it is preserved till today the tradition of the jongo – a pure african dance. During his adolescence he studied jazz and was a student of the pianist Sonia Vieira and at the age of 18 started to play with Gilberto Gil, taking part of many international tournees. In 1996 he won the APCA prize of best arranger, for his work on the album ‘Registros à Meia-Voz’ of Marina Lima. Still in the 90’s, William started to research the musical work of Banda Black Rio and studied the few musical pieces left by his father. The horn arranegements and the grooves that mixed samba with other rithms were always the trademark of this band. In 1999, William invited musicians to join the new band and brought the first trombonist of the band, Lúcio Silva, back again. The album “Movimento” was recorded in 2001 and won the prize of the best pop-rock band by the Prêmio Caras. This album was released in the UK with the title ‘Rebirth’ by Mr. Bongo records in 2002 with some tracks remixed by Fase Action and others. The title of this album translates precisely this moment of renewal.

Extracted from www.bandablackrio.com

06 abril 2006

Trio 3-D - O Trio 3-D Convida (1965)

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Antônio AdolfoFruto da “febre dos trios” característica da segunda fase da bossa nova, quando uma geração de instrumentistas da mais alta impedância e estirpe passou a reinar no Beco das Garrafas, em contraponto estético à leveza da bossa “peso-pluma” (nas palavras de Ruy Castro) de Jobim, Bonfá & João Gilberto, o Trio 3D representou um marco na carreira de seu fundador, o carioca Antonio Adolfo Maurity Sabóia. Nascido em 10 de fevereiro de 1947, estudou no Conservatório de Música Lorenzo Fernandes, passando a frequentar o Bottle’s Bar e o Little Club a partir de 1963, integrando o grupo Samba Cinco.

Chamado para atuar na banda de apoio do musical “Pobre Menina Rica”, de Carlos Lyra, durante a temporada no Teatro de Bolso, formou o Trio 3D, em dezembro de 63. Contratado pela RCA em 1964, o conjunto debutou no LP “Tema 3D”, com Nelson Serra e Dom Um Romão revezando na bateria, o argentino Catcho Pomar domando o contrabaixo, o hoje esquecido Arisio dando canja no violão, e Claudio Roditi – agora reconhecido como um dos melhores trompetistas do mundo, segundo os leitores da revista Down Beat em 2000 - entrando pela primeira vez em um estúdio de gravação, na provecta idade de 17 anos.

Neste segundo disco para a RCA, “Trio 3D Convida”, lançado em abril de 1965, Adolfo ampliou a fórmula do LP anterior, convocando seis feras para contribuições especiais. Outro talento precoce, Eumir Deodato, já com curriculo de veterano aos 22 anos, assinou brilhantes arranjos para “Só Tinha de Ser Com Você” e “Peter Samba”, empregando um potente naipe de sopros. Na verdade, um quarteto formado, simplesmente, pelos dois melhores trombonistas na história da música brasileira - Edson Maciel e Raul de Souza - e por dois dos nossos melhores saxofonistas, João Theodoro “JT” Meirelles e Paulo Moura.

O contrabaixo foi entregue ao niteroiense Carlos Monjardim, ainda hoje ativo na noite paulistana, parente distante da cantora Maysa, sideman de Wilson Simonal nos tempos do Top Club, uma boate situada na praça do Lido. E a bateria ficou a cargo de Nelson Serra de Castro, carioca que, depois do 3D, trabalhou ao lado de Dom Salvador (piano) e Manuel Gusmão (baixo) no trio que acompanhava Elis Regina em programas dirigidos por Carlos Manga na TV Excelsior. Mais tarde, atuou na França com Meirelles, Fernando Martins e Edson Lobo. Tocava com Osmar Milito na casa noturna 706 quando, vítima de um desastre de motocicleta, faleceu prematuramente em fins dos anos 70.

Nas seis faixas do “lado A” do LP, atua apenas o trio. A faixa de abertura, “Água de Beber” (Jobim), tratada de forma grandiloquente em rebuscado arranjo, com várias alternâncias de andamento, deixa transparecer a nítida influência do Zimbo Trio, surgido um ano antes em São Paulo. Não menos intrincado, o tratamento dispensado a “My Heart Stood Still”, standard de Richard Rodgers & Lorenz Hart, popularizado por jazzistas do porte de Bill Evans, Chet Baker & Dave Brubeck, também passa por diferentes moods. Depois de uma longa introdução, com Monjardim usando o arco e Nelson Serra aderindo às baquetas de feltro, o trio mergulha num balanço a mil por hora, permitindo a Adolfo demonstrar a apurada técnica lapidada nos estudos de piano clássico. Ecos de Hamilton Godoy e também de Oscar Peterson voltam a se manifestar na versão de “Reza”, de Edu Lobo, abrigando criativa performance do baixista Monjardim.

Dois temas de Marcos Valle ensejam performances irretocáveis: a bossa-balada “Preciso Aprender A Ser Só”, acelerada na medida certa para escapar do romantismo meloso, e o samba “Batucada Surgiu” (recentemente redescoberto por DJs da cena dancefloor-jazz depois da gravação de Towa Tei no “Future Listening!” de 95), ralentado e revirado harmonicamente no melhor arranjo de Adolfo no disco. Igualmente arrojada e surpreendente, a recriação de “Tamanco no Samba” - gravado pelo Tamba 4 como “Samba Blim” - confirma as excepcionais qualidades do líder como arranjador. O tema de Orlandivo, volta e meia tratado, inclusive pelo próprio autor, como sambinha corriqueiro, se transforma em samba-jazz de alta densidade, abrigando evoluções poliritmicas de Nelson Serra a la Elvin Jones.

JT MeirellesOs convidados surgem nas faixas do “lado B”. Edson Maciel desliza seu trombone de vara, pela bela melodia de “Primavera” (Carlos Lyra), em atmosfera de intenso lirismo mas nada açucarada, enquanto Raul de Souza, que três meses antes havia lançado seu disco-solo “À Vontade Mesmo” pela RCA, conta “um, dois, três” antes de esbaldar-se no trombone de válvula em “Bye Bye Blackbird”, aprontando solo de estonteante fluência. Meirelles (líder do Copa 5) mostra sua classe no sax-tenor no sambop “Tema 3D”, única composição de Adolfo incluida no repertório. E Paulo Moura, no sax-alto, destrincha “O Passarinho”, obscura parceria de Chico Feitosa & Lula Freire, encaixando explícita referência a “Take Five”.

A constelação de astros aparece reunida em duas faixas, cujos arranjos foram sabiamente confiados ao gênio Eumir Deodato: “Só Tinha de Ser Com Você” (o tema de Jobim gravado um ano antes por Eumir, em clima bem mais dark, em seu LP de estréia, “Inútil Paisagem”, e por ele novamente regravado para a trilha do filme “Bossa Nova” em 1999), e “Peter Samba”, swingada colaboração de Durval Ferreira & Mauricio Einhorn. Graças a genialidade de Eumir na arte da orquestração, o quarteto de sopros soa como uma big-band! Sequência dos solos: Maciel, Moura, Raulzinho, Meirelles e Adolfo.

Grafado na capa como 3D Trio, o grupo participou em outubro de 65, dividindo o palco com Pedrinho Mattar, Jongo Trio e Gilberto Gil, do “4º Festival do Balança – O Maior Som Universitário do Brasil”, lançado pela RCA em 66. Ainda na RCA, acompanharam de Eliana Pittman (“Minha Melhor Melodia”) a Wilson Miranda (“Tempo Novo”). Novelli passou a ser o baixista, e Vitor Manga, o baterista. Alterando mais uma vez o nome, desta vez para Conjunto 3D, fazendo um som bem nos moldes do “Brasil 66” de Sergio Mendes, saiu em 1967 o álbum “Muito na Onda” (Copacabana), que marcou a estréia discográfica do guitarrista Helio Delmiro, acoplado à base formada por Adolfo, Gusmão e Nelson Serra, e às vozes de Beth Carvalho & Eduardo Conde.

Em 1968, ainda com o 3D, o pianista marcou presença no LP “Isto É Musicanossa!”, do selo Rozenblit, ao lado de Mario Telles, Johnny Alf, Gaya, Menescal e o Sexteto Contraponto. Aderiu à Turma da Pilantragem, comandando o grupo Antonio Adolfo & Asseclas Musicais nos três discos que o pseudo-movimento liderado por Carlos Imperial, Wilson Simonal e Nonato Buzar gravou para a Polydor entre 68 e 69. Logo depois, Adolfo obteve sucesso comercial ainda maior com seu grupo A Brazuca, gravando dois LPs para a Odeon, faturando prêmios em festivais, e emplacando sucessivos hits em parceria com Tibério Gaspar como “Sá Marina” (sucesso internacional sob o título “Pretty world”), “Juliana”, Teletema” e “BR-3”.

Continuou trilhando peculiar caminho pela MPB nas três últimas décadas, tornando-se um dos pioneiros na luta pela abertura de mercado para os discos independentes (a partir do “Feito em Casa”, de 77, seguido por “Encontro Musical” e “Viralata”), desenvolvendo sólido trabalhado como educador (inclusive no exterior, como membro da IAJE), e dedicando-se às releituras das obras de Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazareth e João Pernambuco. Mas jamais retornando à estética bossanovista do Trio 3D. Motivo extra para que o relançamento deste disco singular seja amplamente celebrado.


Raul de SouzaWhen people think of Brazilian jazz in the '60s, the first thing that comes to mind is bossa nova — a caressing, subtle, laidback blend of cool jazz and samba. But not all of the Brazilian jazz from that decade is bossa nova. Some Brazilian improvisers were influenced by the more aggressive and extroverted sounds of hard bop. They respected Stan Getz' legendary work with João Gilberto and Antonio Carlos Jobim, but they preferred a tougher, more hard-swinging style of Brazilian jazz. They identified with the forcefulness of Phil Woods, Cannonball Adderley, Horace Silver, and Art Blakey's Jazz Messengers, rather than the subtle introspection of Chet Baker and Lee Konitz. In the '60s, Brazil's hard boppers included trombonist Raul de Souza and 3-D, which consisted of pianist Antonio Adolfo, bassist Carlos Monjardin, and drummer Nelson Serra De Castro. Raul de Souza isn't actually the leader on Convida; this is really a 3-D album, and Raul de Souza is among the guest soloists (who also include tenor saxman J.T. Meirelles, and alto saxman Paulo Moura). But because the underexposed Raul de Souza hasn't recorded nearly as often as he should have, his admirers will want to hear Convida, which has never been released in the United States. Convida originally came out on LP in Brazil in 1965, and in 2002, RCA's Brazilian division finally reissued it on CD. Although Raul de Souza has some inspired guest spots, the main soloist is Adolfo — a lyrical yet exuberant pianist with a strong Red Garland influence. Adolfo also inspires comparisons to Wynton Kelly and Tommy Flanagan, and he favors a passionate hard bop/samba blend on Brazilian songs as well as a few American standards. Jazz enthusiasts who don't live in Brazil would do well to search for import copies of this excellent CD.

by Alex Henderson - extracted from AMG

01 abril 2006

Moacir Santos - The Maestro (1972)

Capa brasileira / Brazilian cover

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Moacir Santos . foto de Guto CostaO maestro, arranjador, instrumentista, compositor pernambucano Moacir Santos foi professor de Nara Leão, Baden Powell, Paulo Moura, Eumir Deodato, Airto Moreira, entre outros. Compôs, com Vinicius de Moraes, clássicos como "Triste de Quem", "Lembre-se" e "Se Você Disser Que Sim".

É pouco para que seja conhecido no Brasil, naturalmente, a não ser pelos ouvintes atentos do "Samba da Bênção" (1962), de Baden Powell e Vinicius de Moraes, que diz: "A bênção, maestro Moacir Santos/Que não és um só, és tantos/ como o meu Brasil de todos os santos(...)". És tantos, mas para poucos, num país onde santos de casa não são muitos....

Seu talento foi reconhecido - coincidência! - quando ele fixou residência fora do Brasil, em 1967, depois de uma brilhante carreira de 18 anos, como arranjador e regente da rádio Nacional, no Rio de Janeiro, e passou a lecionar música na Califórnia.

"Estava ficando difícil viver aqui. Cheguei a pensar em colocar meu carro na praça", lembra Santos, que nos primeiros tempos ganhou a vida tocando piano numa igreja batista, em Los Angeles. Também trabalhou como "músico fantasma", fazendo arranjos para filmes de Hollywood, sem receber créditos.

Um belo dia, foi "descoberto" pelo pianista de jazz Horace Silver, que o conhecera na casa do pianista Sérgio Mendes, e começou a gravar para o mercado norte-americano. Fez grandes discos pela Blue Note e pela Discovery, como "The Maestro" (1972 - indicado para o Prêmio Grammy), "Saudade" (1973) e "Carnaval dos Espíritos" (1975), hoje todos fora de catálogo.

O maestro voltou a ser notícia nos meios musicais brasileiros com o lançamento do CD duplo "Ouro Negro", com 28 faixas, no qual mostra toda sua inventividade e atualidade.

Adaptação do texto do site Free Jazz Festival

Capa original / Original cover

The musical syncretism of Moacir Santos

Born in 1926, in the northeastern state of Pernambuco, the multi-instrumentalist/composer/arranger Moacir José dos Santos (better known as Moacir Santos) had already mastered various brass, string and percussion instruments by the age of 14. In 1948, he moved to Rio and initially worked as a saxophonist at Radio Nacional (Brazil's largest radio network), where he rose to the ranks of arranger and conductor in the following two decades, while expanding his knowledge by studying with the maestro Guerra-Peixe and other prominent music professors.

Moacir SantosIn 1967, Santos left a solid career in his native country and moved to Southern California, where he recorded various phenomenal albums as a leader for the Blue Note label in the 1970s. Although he is regarded by the undersigned writer as one of the most innovative Brazilian jazz artists of all time, the author of Nana did not receive the recognition that he truly deserves until the year 2001, when the remarkable double CD Ouro Negro (Black Gold) was recorded in Rio, under the leadership of saxophonist Zé Nogueira and guitarist Mario Adnet, whose all-star team reproduced Santos' original arrangements, as written for the 28 instrumental pieces picked for the album. Compatible lyrics (penned by Ney Lopes) were added to some of the instrumental numbers, using some of the top Brazilian singers of our times (Milton Nascimento, Djavan, Joao Bosco, Gilberto Gil). In order to ensure the authenticity of the proceedings, Santos supervised the recording sessions, while contributing a few vocals, here and there.

The following conversation was entirely conducted in portuñol--a mixture of Portuguese and Spanish--in the Pasadena abode of the legendary octogenarian whose personal fusion of U.S. jazz and Brazilian rhythms predates the bossa nova, and whose numerous pupils include the likes of Paulo Moura, Roberto Menescal, Sergio Mendes, Nara Leao, Baden Powell, Flora Purim and Airto Moreira.

LUIS TAMARGO: There is a controversy about your Birthplace. Some say that you were born in Serra Talhada. Others identify your place of birth as Flores.

MOACIR SANTOS: I was born in a hacienda located within the jurisdiction of a city called Serra Talhada. About eight years ago, a festival was organized in homage to my musical work at a military club in Recife's marina, where I was asked in public to identify my place of birth, before an audience that included many natives of both Flores and Serra Talhada. In order to satisfy everyone, I had to come up with a Salomonic response:

"I was born in Serra Talhada, but I opened my eyes in Flores" (LAUGHTER) I was only about three years old when I moved to Flores.

LT: Which is your favorite instrument?

MS: The saxophone, in all of its variations--soprano, alto, tenor, and baritone ...

LT: How many versions of Nana have been recorded?

MS: About 157. A reliable source once mentioned: "Moacir, you should be rich today, based on the earnings from Nana alone."

LT: But I don't see a Rolls Royce parked on your driveway (LAUGHTER).

MS: This sort of swindling happens quite often, particularly in Brazil, and it has affected a number of my compositions.

LT.: Your 1970s Blue Note albums were truly ahead of their time. I recall that your arrangements employed the bassoon and other symphonic instruments that were rarely utilized in jazz at that time.

MS: As the former orchestral conductor of Rio's Radio Nacional network (which apparently wanted to compete with London's BBC) for about twenty years, I had the good fortune of utilizing every instrument at my disposal, from bassoon and French horn to cavaquinho and pandeiro, in order to perform all types of music on a daily basis, from 10 a.m. to 10 p.m.

LT: You wrote quite a few soundtracks, but I suspect that Amor do Pacifico was the most exuberant one.

MS: It involved 75 musicians, back in 1964 or 1965, and it was fihned somewhere in the South Pacific. I was present at its U.S. premiere, where everyone was impressed by the soundtrack. The rest is history ...

1. Coisas (Forma, 1965)
2. Opus 3 No. 1 (Discovery, 1968)
3. The Maestro (Blue Note, 1972)
4. Saudade (Blue Note, 1974)
5. Carnival of the Spirits (Blue Note, 1975)
6. Ouro Negro (MP,B, 2001)
7. Choros e Alegrias (Biscoito Fino, 2005)

Latin Beat Magazine, August, 2004 by Luis Tamargo


Moacir Santos-(bariton sax,vocal); Oscar Brashear-(trumpet); Frank Rosolino-(trombone); David Duke-(french horn); Ray Pizzi-(alto, soprano); Don Menza-(tenor, flute); Hymie Lewak-(piano); Clare Fischer-(organ) Bill Henderson(electric piano); Joe Pass-(guitar); John Heard-(bass); Shiela Wilkinson-(vocal) Recorded at A&M Studio, L.A., September 29 & October 18, 1972. Joe plays on 5 & 6.
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